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Las 10 mejores películas del cine mudo

Martes, 16 de octubre de 2012 Dejar un comentario Ir a comentarios

Hoy les dejo este post de las 10 mejores películas mudas, ojalá gusten, saludos

The Silent Era es un sitio dedicado al cine mudo que ha elaborado una lista de las 100 mejores películas mudas, con votos de sus visitantes que son procesados a la antigua: se envían por correo electrónico y los editores van sacando sus cuentas. De esa lista he puesto aquí las 10 primeras.

1. The General, de Buster Keaton y Clyde Bruckman (EUA, 1926). Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

Basándose libremente en un episodio de la guerra civil americana, el robo por parte de unos espías de la Unión de una locomotora sureña, Keaton creó uno de los espectáculos más imaginativos y trepidantes que alguien haya concebido jamás para una película de cualquier género. Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). Al estallar la guerra de secesión, Johnny trata de alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que no va a luchar porque es un cobarde y, por ello, decide rechazarlo. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado tras las líneas confederadas le robe La General y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.

2. Metropolis, de Fritz Lang (Alemania, 1927). Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas.

En una megalópolis del año 2000, los obreros están condenados a vivir recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Sin embargo, incitados por un robot, se rebelan contra la clase dominante y amenazan con destruir la ciudad exterior. Freder (Gustav Frölich), el hijo del soberano de Metrópolis, y María, una muchacha de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

3. Sunrise, de F.W. Murnau (EUA, 1927). En 1929, en la primera edición de los premios de la Academia (aún no se llamaban Oscar), Sunrise ganó el galardón denominado ‘Best Picture, Unique and Artistic Production’. Este impresionante poema visual, como era previsible, no tuvo el éxito de taquilla que se esperaba. A partir de entonces, la Fox limitó el control de Murnau sobre sus dos siguientes producciones. El director falleció en 1931, a los 42 años, en un accidente automovilístico.

Un granjero (George O’Brien) convive felizmente en el campo con su esposa (Janet Gaynor). El encuentro con una seductora mujer (Margaret Livingston) de la ciudad terminará enamorándole e incitándole al asesinato de su cónyuge.

4. City Lights, de Charles Chaplin (EUA, 1931). De todas sus películas (con la posible excepción de Tiempos modernos), Luces de la ciudad ofrece la caracterización más completa del vagabundo. Sin familia, sin amigos o un lugar donde vivir, está parado fuera de nuestra realidad, a veces intentando entrar y a veces sin importarle la marginalidad. Como un niño, con un puro e inocente corazón y con los mejores motivos, se ofrece a la vida y a sus consecuencias.

Un pobre vagabundo (Charles Chaplin) pasa mil y un avatares para conseguir dinero y ayudar a una pobre chica ciega (Virginia Cherrill) de la que se ha enamorado.

5. Nosferatu, de F.W. Murnau (Alemania, 1922). El vampiro que muestra Murnau, en consonancia con el expresionismo, se aleja del vampiro de Stoker en sus rasgos físicos. El vampiro de Nosferatu es un ser horroroso, de craneo deforme, colmillos exageradamente deformes, ojos saltones y mirada amenazadora, zarpas afiladas, e incluso se podría decir que es pestilente.

Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.

"Nosferatu" fue una libre adaptación de la novela de Bram Stoker ”Drácula” a la que se cambió el nombre para no tener que pagar derechos de autor. La viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película. Las copias distribuidas en el resto del mundo impidieron su total desaparición.

6. The Gold Rush, de Charles Chaplin (EUA, 1925). La película integra de manera inteligente la comedia al drama en una crítica mordaz a la búsqueda de la fortuna y éxito fáciles. En ella, Chaplin se revela como un director innovador, capaz de prescindir totalmente de algunos recursos típicos del cine mudo (como los fundidos o fades entre escenas) en favor de una narrativa puramente visual.

Obra maestra de Chaplin, en la que interpreta a un solitario buscador de oro que llega a Alaska, a principios de siglo, en busca de fortuna. Una fuerte tormenta de nieve le llevará a refugiarse en la cabaña de un bandido. En 1942 fue reestrenada en versión sonora.

7. La Passion et la Mort de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer (Francia, 1928). La interpretación de Renée Marie Falconetti en el rol principal posee una fuerza capaz de traspasar la pantalla y penetrar en el alma de los espectadores. Su rostro doloroso, ausente de maquillaje, es una de las imágenes más impactantes y bellas de la cinematografía mundial.

Tras ser la principal responsable de la coronación de Carlos VII como nuevo rey de Francia, Juana es capturada por los borgoñeses en las inmediaciones de Rouen y entregada a los ingleses. A partir de ese momento, se ve inmersa en un proceso en el que es acusada de hereje. Juana no acepta las acusaciones y dice ser una enviada de Dios. Los miembros del tribunal intentarán por todos los medios forzarla, incluso engañarla para que firme un documento en que reconozca sus pecados.

8. Das Cabinet des Dr. Caligari, de Robert Wiene (Alemania, 1920). La cinta es considerada como el primer filme expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. El expresionismo en esta película se funda en la interpretación subjetiva del mundo de los personajes, que se encuentran bajo el mundo real. Se enfrentan en los personajes dos conceptos diferentes: la imaginación y lo onírico frente al realismo.

Uno de los grandes clásicos del cine de terror. Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.

9. Bronenosets ‘Potyomkin’, de Sergei M. Eisenstein (Unión Soviética, 1925). Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un cochecito de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre.

Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.

10. Greed, de Erich von Stroheim (EUA, 1924). En Avaricia se nos muestran los más bajos instintos que podemos experimentar las personas, y cómo, llevados a extremos infinitos, degradan y llevan a la perdición total a quienes hacen de ellos su razón de vivir.


Un supuesto dentista se casa con una mujer a la que le ha tocado la lotería. El frustrado novio de ésta le acusa de no tener licencia para ejercer como tal. A causa de ello, el matrimonio vive pobremente, pero la mujer ahorra compulsivamente. La avaricia y los celos conducirán a una tragedia. Existen dos versiones: la censurada, de dos horas y media, y la completa, de cuatro horas.

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  1. Domingo, 30 de diciembre de 2012 a las 18:22 | #1

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